敎會音樂 church music
liturgical music이라고도 하며, 예배 의식에서 사용하기 위해 작곡된 음악이다. ☞음악의 역사적개념
특히 그리스도교적 전통과 결부되어 사용되었으며 초기 그리스도교 예배 음악은 칸토르가 즉흥적으로
독창을 하면 회중들이 그의 노래를 따라 부르는 응창(responsorial)으로 이루어진 유대교의 집회음악에서
발전했다. 이것은 여러 가지 형태의 성가들로 발전했는데 카롤링거 르네상스 시대 그레고리오 성가에서
정점에 다다랐다. 아울러 10세기부터는 엄청난 수의 찬송가가 나타났다.
다성음악(polyphony)은 처음에는 주요 축일에만 한정적으로 허용되었고, 기교가 뛰어난 가수들의 독창은
오르간이나 몇몇 악기들로 반주되었다(화성적 음악：homophony)(→ 다성음악).
초기 다성음악 양식은 1200년경에 노트르담 악파(Notre-Dame school) 작곡가인 레오냉과 페로탱의 오르가
눔에서 정점을 이루었다. 14세기에는 훈련받은 작곡가들에 의해 기존의 곡 사이에 새로운 가사에 의한 단
순한 화성음악적(수직화음적) 양식의 일부분을 첨가하는 트로푸스(tropus)가 성행했지만, 프랑스 쪽에서는
이때부터 미사의 통상부들은 하나의 전체로 취급되어 다성음악으로 작곡되었다.
중세 말기의 교회음악은 그 방법과 표현이 보다 직접적으로 되었다. 미묘한 리듬으로 조성·질서·균형 에 대한 강한 인상을 남겼다. 부르고뉴의 기욤 뒤페, 영국의 존 던스터블과 레오널 파워, 그밖의 동시대 음악가들이 작곡한 교회음악은 사원이나 대성당보다는 군주의 부속 교회와 궁정 의식을 위해 작곡되었다.
르네상스 시대에는 독창자들보다 오히려 소규모 합창단을 다성음악에 쓰는 것이 정착되었다. 아카펠라(무반주) 합창 양식이 이 시대의 주류를 이루었지만, 때로 교회의 성가대는 오르간이나 다른 악기로 반주하기도 했다. 대작곡가 조스캥 데 프레에 의해 계승된 네덜란드의 작곡가 오브레흐트와 오케헴은 음울하고 무거운 분위기에 빠져 있던 당시의 교회음악에 명료성과 서정성을 처음으로 도입했다. 다음 세대에서는 팔레스트리나와 라소, 스페인의 토마스 루이스 데 빅토리아와 크리스토발 데 모랄레스, 영국의 윌리엄 버드 등의 작곡가들이 돋보였다.
같은 시기에 교회 오르간 음악이 크게 발전했는데, 원래는 다성음악을 노래할 수 있는 성가대가 없는 경우에 사용되었다. 오르간 연주자는 단성성가·칸티클·미사에 화성을 붙인 부분과 성가대나 회중들이 부르는 단성성가적인 시편송을 교대로 연주했다. 영국의 버스 앤섬(verse anthem)과 이탈리아의 바로크 모테트의 대두는 즉흥연주로 반주하는 오르간 연주자의 기량을 향상시켰다. 베네치아에서 안드레아 가브리엘리와 조반니 가브리엘리, 그 추종자들은 현·목관·인성(人聲)의 음의 공간적 대비와 서로 대립되는 소리를 효과적으로 사용했다. 독일 찬미가 선율인 코랄(chorale)은 모테트와 오르간 음악, 나중에는 칸타타의 중요한 재료가 되었다. 하인리히 쉬츠, 프란츠 툰더, 디트리히 북스테후데는 음악을 교회 예배의식에서 가장 중요한 것으로 부상시켰으며, 이것은 요한 제바스티안 바흐의 교회음악에서 절정을 맞았다.
고전주의 시대에도 앤섬·모테트·미사곡은 진부한 면을 보이기도 했지만 계속 작곡되었다. 이 시대의 대작곡가들은 마음 속에 교회보다는 오히려 연주회장에서 연주되는 교회음악을 그리며 작곡했고, 반면 하이든과 그밖의 초기 빈 악파의 대가들이 교회 예배용으로 작곡한 미사곡들은 특정 지역에서만 쓰일 뿐 널리 확산되지는 못했다. 19세기 교회음악은 베토벤, 슈베르트, 안톤 브루크너 등의 미사곡, 조아키노 로시니와 브람스의 모테트, 세자르 프랑크, 막스 레거의 오르간 음악, 엑토르 베를리오즈와 주세페 베르디의 진혼곡 등 매우 다양한 모습으로 발전했다. 몇몇 교회음악 작곡가들은 16세기 양식을 부활시키려는 시도로 이전의 낭만주의적 화려함과는 거리를 유지했다. 20세기에 와서 랄프 본 윌리엄스, 윌리엄 월튼, 벤저민 브리튼, 올리비에 메시앙, 프랑시스 풀랑크, 이고리 스트라빈스키, 크지슈토프 펜데레츠키 등의 작곡가들이 옛 형식들을 위한 새로운 길을 보여주고 있다.
찬송가 Hymn
hymn은 신이나 영웅 등에 대한 '찬미의 노래'라는 뜻의 hymnos에서 유래하였으며, 그리스도교 예배에 사용하는 노래.
대개 회중들이 모여 부르는 유절형식을 가진 박절적 노래로 성서 이외의 가사를 갖는다. 고대 수메르나 그리스 등에서 비롯된 다른 모든 문화권에도 이런 유형의 노래들이 있다.
그리스도교의 찬송가는 히브리 사원에서 시편송을 부르던 관습에서 비롯되었다. 완전하게 보전된 최초의 가사는 그리스의 '포스 힐라리온'(Phos hilarion：19세기 미국의 시인 롱펠로가 〈가자, 즐거운 빛으로〉라는 제목으로 번역)으로, 그 기원은 200년경 또는 그 이전으로 추정된다. 그러나 찬송가가 체계적으로 발전한 것은 콘스탄티누스 황제가 그리스도교를 공인한 기원후 313년 이후의 일이었다. 가장 먼저 번성했던 시리아에서는 시편송을 모방해 찬송가를 부르던 그노시스주의자(이단시 된 그리스도교 초기의 한 분파) 및 마니교도(3~7세기 페르시아에서 교세를 펼침)의 관습이 전해졌고, 그것이 비잔틴 교회에 의해 수용되었다. 비잔틴 교회의 예배 의전에서는 라틴 예배에서보다 찬송가가 더 중요한 위치를 차지했고, 따라서 비잔틴 찬송가는 카논이나 콘타키온(→ 비잔틴 성가)과 같은 복잡한 유형들로 발전했다. 4세기 메소포타미아의 부사제이자 시인, 찬송가 작가였던 성 에프라임은 '그리스도교 찬송가의 아버지'라고 불렸다(→ 비잔틴 제국).
서방지역에서는 포이티에르의 성 힐라리우스가 360년경에 찬송가 가사집을 만들었다. 거의 비슷한 시기에 밀라노의 성 암브로시우스는 회중들이 부르는 시편송과 찬송가를 모아 책을 만들었는데, 이것은 일면 정통 그리스도교와 이념적인 갈등을 보였던 아리아족의 찬송가를 견제하기 위해 만든 것이었다. 4행 연으로 된 약강 10음보 형식으로 된 이 초기 찬송가들은(이것들의 선율은 간단하고 민속적인 것으로 짐작됨) 당시 그리스도교권에 있던 라틴어 시에서 유래했다. 중세 말기에 이르면 훈련받은 합창단원들이 회중과 함께 찬송가를 불렀다. 새로 만들어진 선율은 장식이 더 많아졌고 기존의 것들도 종종 장식되었지만, 그 어느 경우라 하더라도 한 음에 붙는 가사의 음절 수는 대개 1개였다. 간혹 찬송가를 다성음악으로 만들기도 했는데, 이때는 대개 단성성가와 교대되었으며 특히 오르간 음악에서 중요한 의미를 갖는다.
예배 의전에 의한 회중 노래의 관습은 종교개혁 기간에 독일 루터교도들에 이르러서야 다시 나타난다. 독일 루터교 찬송가 선율인 초기 코랄은 화성이 붙지 않았고 반주도 없었다(→ 코랄). 그러나 시간이 지나면서 성가대와 오르간, 회중들이 함께 또는 따로 연주하는, 화성 붙은 형태들도 사용하게 되었다. 어떤 것은 새로 작곡하기도 했지만, 대부분 단성성가나 자국어로 된 봉헌송, 세속노래에서 가져온 것이었다. 세속 서정시 역시 루터와 같은 시대 루터교도들의 찬송가 가사에 영향을 끼쳤다. 중요한 초기 모음집으로는 루터와 요한 발터의 찬송가집(1524), 게오르크 라우의 찬송가집(1544) 등을 들 수 있다. 17, 18세기 루터 교회의 경건파는 서정적·주관적인 성격의 노래를 새롭게 독일 찬송가집에 수용했다. 이중에는 루터교도들의 것도 있지만 모라비아 교회 같은 다른 교파의 노래도 포함되어 있었다(→ 개신교).
칼뱅교도들은 스위스에서, 그리고 나중에는 프랑스·영국·스코틀랜드 지방에서 시편송을 번역해서 즐겨 불렀다. 이들의 시편송은 규칙적인 박자를 갖고 있었고, 무반주 유니즌(제창)으로 불렀다. 영국 및 스코틀랜드의 프로테스탄트는 시편송만 허용했고, 특히 영국에서의 시편송은 프랑스·제네바의 시편송에서 가져온 가락에 가사를 붙여 불렀다. 따라서 영국의 프로테스탄트 시편송은 프랑스 시편송과 마찬가지로 규칙적 박자를 갖추었지만 프랑스어의 운율에 기초해서 만들었기 때문에 가락이 상당히 복잡하다.
한편 영국 시편송은 프랑스 시편송과는 달리, 몇 개의 운율 유형만을 사용했고, 처음엔 개개의 가락에 특정한 시편 가사만을 붙여 부르다가, 나중엔 서로 다른 노래에 같은 가사를 사용하게 되었다. 흔히 사용하던 운율은 영국 발라드의 운율 형태와 같은 8, 6, 8, 6(각 행의 음절수)으로, 영국 찬송가의 전형적인 운율로 계속 사용되었다(→ 시편영창). 영국 찬송가의 결정적인 전환은 17세기말 독립 교회파(조합교회주의) 찬송가 작가였던 아이작 와트에 의해 이루어졌다(〈찬송가와 종교 노래 Hymns and Spiritual songs〉 1705~19).
18세기 중반 감리교의 창시자인 존 웨슬리와 찰스 웨슬리가 주도한 복음주의 운동은 영국과 미국에서 찬송가 노래의 기반을 확고히 했다. 찰스 웨슬리의 수많은 시들은 실험적으로 만든 다양한 운율들을 사용했고, 존 웨슬리는 독일의 훌륭한 찬송가들을 다수 번역했다. 이 두 사람은 또한 여러 독일 선율들을 사용하기도 했고, 이들의 후기 찬송가들에는 헨델 양식으로 된 음악도 상당수 포함되어 있다.
영국교회가 찬송가의 노래 관습을 정식으로 인정한 것은 1820년에 이르서였고, 이것은 셰필드의 한 교회의 찬송가 노래 관습에서부터 계속된 사람들의 요구에 의한 것이었다. 1833년에는 옥스퍼드 고(高)교회파(High Church：영국국교회 내의 일파로, 교회의 권위와 의식, 성찬 등을 중시) 운동이 일어, 찬송가의 작곡과 중세 찬송가의 번역, 단성성가 선율의 사용을 자극했다. 오늘날 사용하고 있는 영국 찬송가집의 역사에서 보전된 최초의 것은 〈신구 찬송가들 Hymns Ancient and Modern〉(1861, 개정 최종판 1950)인데 이것은 양식이 엄격하고 영국 성공회의 〈기도문〉에서 가사를 그대로 가져왔으며, 한 선율에 한 가사씩만을 붙여 만들었다(→ 옥스퍼드 운동).
20세기로 접어들면서 2가지 중요한 모음집이 나타났다. 〈야텐돈 힘널 Yattendon Hymnal〉(1899)은 영국 시인 로버트 브리지가, 〈영국 힘널 The English Hymnal〉(1906)은 퍼시 디어머와 작곡가 랠프 본 윌리엄스가 편집했다. 특히 〈영국 힘널〉에는 여러 시편송과 민요 선율들이 포함되어 있다. 주로 루터교의 모범에 따른 대륙의 찬송가에서는 그밖의 전통도 찾아볼 수 있다.
이탈리아에서는 왈덴파 교회가 그 지방의 민요 및 오페라 양식들에 영향을 받아 회중 찬송가들을 사용했고, 16세기 반(反)종교개혁으로 인해 로마 가톨릭에서도 훌륭한 찬송가들의 작곡이 고무되었다. 19세기말에는 찬송가에 대한 관심이 다시 일어나 영국에서 〈웨스트민스터 힘널 West minster Hymnal〉(1940)을 탄생시켰다. 1960년대말에 미사 집전 중의 회중 노래가 부활됨으로써 새로운 형태의 찬송가 작곡을 자극했고, 또한 가톨릭 전통 이외의 유산들로부터 여러 찬송가들을 채택하게 되었다.
한국교회에서 찬송가는 근대음악의 발전에 커다란 영향을 끼쳤다. 한국 최초의 찬송가는 감리교회 로스 와일러와 존스가 공동 편집한 〈찬미가〉로서 악보 없이 가사만을 적었으며, 1894년 언더우드가 악보가 들어 있는 〈찬양가〉를 편집·간행했다. 1905년 윤치호가 편집한 〈찬미가〉는 한국인에 의해서 만들어진 최초의 찬송가라는 점에서 의의가 있다. 이후 1983년 75그리스도교 교파가 공동작업한 총 558장의 〈통일찬송가〉가 간행되어 한국 찬송가 사용의 일치를 보게 되었다. 더욱 찾아보기: 동형진행, 영가, 유사선율, 테데움라우다무스
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갈 6:2
